Du 8 au 26 avril 2026, la capitale bat au rythme de la création émergente avec le retour d'un événement désormais incontournable. Pour sa huitième édition, 100% L’Expo investit la Grande Halle de La Villette, transformant ce monument industriel en un écrin vibrant dédié aux talents de demain. L'occasion unique de découvrir, sans frais, ce que la jeune création française a de plus audacieux à offrir.
Loin des salles feutrées et silencieuses, c'est une véritable effervescence qui accueille le visiteur. Sur 3 500 mètres carrés, une trentaine d'artistes diplômés prennent possession des lieux pour proposer une expérience immersive, libre et gratuite. Ici, l'art contemporain se veut accessible, vivant et résolument tourné vers les préoccupations de notre temps. C'est le rendez-vous printanier à ne pas manquer pour tous ceux qui cherchent à capter les tendances et les pulsations actuelles de l'art français.
Si vous avez envie de prolonger cette plongée dans les mémoires culturelles et l'immersion, n'hésitez pas à découvrir également Nostalgia-16 à la Gaîté Lyrique, une expérience qui, tout comme 100 % L'Expo, joue sur la corde sensible de la réappropriation générationnelle. Avant de prendre la direction du 19e arrondissement, voici tout ce qu'il faut savoir sur cette édition qui promet d'être aussi riche en émotions qu'en découvertes esthétiques.
Une « photo de classe » artistique sous les voûtes de La Villette
L'expression est imagée, mais elle résume à elle seule l'esprit de cette manifestation : 100 % L'Expo agit comme une « photo de classe » artistique, pour reprendre le concept évoqué par Konbini. L'idée n'est pas de présenter un panorama historique, mais de figer un instant T, celui où l'artiste sort du cocon de l'école pour affronter la réalité du monde professionnel. C'est un instantané éclectique des pratiques émergentes, là où formes, techniques, médiums et récits s'entremêlent pour dessiner un paysage vivant de la création actuelle.
Sous les voûtes majestueuses de la Grande Halle, le contraste saisissant entre l'architecture de fer industrielle du XIXe siècle et la fraîcheur des œuvres contemporaines crée une alchimie visuelle puissante. Ce n'est pas un musée poussiéreux que l'on visite ici, mais bien un laboratoire géant où l'on expérimente. L'ambiance y est plus proche d'une vie étudiante intense et bouillonnante que d'une institution classique. On y vient pour voir, certes, mais aussi pour sentir l'urgence créative qui anime cette génération.
Un laboratoire géant pour la création émergente
La Grande Halle offre un volume et une liberté que peu de lieux peuvent se permettre. Cette configuration permet aux artistes de déployer des installations monumentales ou d'envahir l'espace avec des œuvres in situ. Le visiteur se sent plongé au cœur de la création, comme s'il pénétrait dans l'atelier même des artistes. Cette proximité supprime la distance habituelle entre l'œuvre et le public, rendant la visite plus tactile et immédiate.
L'art comme reflet sociétal
Si chaque artiste possède une singularité, un fil rouge relie l'ensemble de cette promotion : la question de la génération et du monde dans lequel elle évolue. Les œuvres ne sont pas de simples exercices de style, mais de véritables réponses aux interrogations de notre temps. En flânant dans les allées, on perçoit rapidement que les sujets de société occupent une place prépondérante dans l'esprit de ces jeunes créateurs. L'art devient ici un prisme à travers lequel ils analysent et commentent la réalité.
Une fenêtre ouverte sur la vie étudiante
Cette exposition agit comme une extension magnifiée des diplômes de fin d'année. Elle permet au public de découvrir ce qui se trame dans les ateliers des écoles d'art de France, souvent fermés au grand public. C'est une occasion rare de mesurer la diversité et la qualité des enseignements artistiques actuels, tout en découvrant les obsessions esthétiques d'une génération qui ne voit pas l'art comme un objet décoratif, mais comme un langage nécessaire.
Zéro budget pour un maximum d'art : le pari de la gratuité
Dans un Paris où le coût de la vie culturelle ne cesse d'augmenter, 100 % L’Expo défend un positionnement radical et bienvenu : celui de l'accessibilité totale pour tous les publics. L'entrée est libre et gratuite, un choix qui n'est pas une simple stratégie marketing, mais une véritable conviction politique. En supprimant la barrière financière, l'événement casse les codes habituels de la monstration d'art et ouvre grand ses portes aux étudiants, aux jeunes actifs et aux familles qui pourraient se sentir exclus des institutions payantes.
Cette gratuité change radicalement la manière d'appréhender l'exposition. On peut y aller pour une heure, y retourner plusieurs fois pour revoir une œuvre qui nous a marqué, ou simplement flâner sans la pression de devoir « rentabiliser » le prix du billet. C'est la liberté absolue de la curiosité. Avec 3 500 m² à explorer sans débourser un centime, le pari est audacieux : il prouve que l'excellence artistique et le large public ne sont pas incompatibles.
La culture comme bien commun
En offrant cet événement sans contrepartie financière, les organisateurs rappellent que l'art est une nourriture nécessaire à l'esprit et un bien commun. Cette posture est d'autant plus importante dans une période où les budgets loisirs sont les premiers à être rognés. Ici, la barrière à l'entrée est inexistante, ce qui favorise la sérendipité : on entre par curiosité, parce qu'on passait devant la Grande Halle, et on ressort transformé par une rencontre artistique inattendue.
La liberté de la flânerie
Gratuité rime aussi avec liberté de parcours. Sans obligation de tout voir pour justifier un coût d'entrée, le visiteur adopte une démarche plus intime et personnelle. On peut s'attarder vingt minutes devant une installation vidéo ou traverser l'exposition en diagonale pour ne capter que l'énergie du lieu. Cette fluidité du parcours est essentielle pour apprécier la création dans un cadre détendu, propice à la rêverie et à la contemplation.
Un événement populaire et mixte
L'absence de ticket d'entrée agit comme un levier psychologique puissant pour briser l'intimidation que peuvent ressentir certains face à l'art contemporain. Elle envoie le signal que le lieu est accueillant pour tous. Cette ouverture permet de mélanger des publics aux horizons très divers : familles du quartier, étudiants en art, passants curieux ou amateurs confirmés. Cette mixité sociale est une des richesses de l'événement, transformant l'exposition en un lieu de rencontre et d'échange.
La règle des 5 ans : un champ des possibles élargi pour cette 8e édition
Si l'événement est accessible, il n'en est pas moins exigeant sur la qualité de la proposition artistique. Pour cette huitième édition, 100% L’Expo confirme son ambition en réunissant une trentaine de diplômés de 19 écoles supérieures d'art sur les 40 que compte le territoire. Une des forces du dispositif réside dans sa règle d'éligibilité : l'appel à candidatures est ouvert à l'ensemble des artistes lauréats d'un DNSEP (Diplôme National Supérieur d'Expression Plastique) obtenu au cours des cinq dernières années.
Ce délai de cinq ans offre une vision plus mature de la création émergente. Contrairement à une simple sortie de diplôme, cet écart temporel permet aux artistes de s'affranchir quelque peu de l'influence directe de l'école et de commencer à affirmer une voix singulière. On découvre ainsi des œuvres qui ont déjà mûri, où la recherche plastique est d'une densité rare et où la pratique artistique a souvent gagné en assurance. C'est ce qui rend la visite particulièrement stimulante : on est face à des artistes qui sont déjà en pleine phase de professionnalisation.
La transition entre l'école et le métier
Ce champ des possibles élargi permet d'observer de façon fascinante la transition entre la scolarité et le métier. Les œuvres proposées bénéficient souvent d'une plus grande maîtrise technique et d'un recul critique sur leur propre production. On perçoit moins les exercices imposés par les professeurs et davantage les obsessions personnelles des créateurs. C'est ce saut qualitatif qui justifie pleinement le déplacement pour les amateurs d'art contemporain en quête de découvertes solides.
Une sélection rigoureuse par un jury d'experts
Pour éviter que cet élargissement du champ des candidats ne se transforme en tourbillon informel, le processus de sélection est resté extrêmement rigoureux. Le jury, composé de professionnels reconnus, a pour mission de repérer les singularités fortes et les démarches authentiques parmi les centaines de dossiers reçus. Cette année, la sélection a été menée par Corentin Darré, artiste plasticien, Alexia Abed, critique d'art et commissaire d'exposition à la tête du CAC Brétigny, ainsi qu'Inès Geoffroi, commissaire de l'événement. Leur œil expert garantit la qualité de l'accrochage final.
Un panorama représentatif de la diversité
En ne retenant que 19 écoles sur 40 et une trentaine d'artistes, le jury a dû faire des choix difficiles pour ne garder que la « crème de la crème ». Cette sélectivité assure au visiteur une expérience concentrée, sans œuvres parasites. Le résultat est un panorama représentatif de la diversité des pratiques actuelles, allant de la peinture à la performance, en passant par la sculpture, la vidéo et le design, offrant une vision complète de ce que la jeune création française est capable de produire aujourd'hui.
Au-delà de Paris : 19 écoles d'art et la diversité des territoires
L'une des grandes forces de cette édition 2026 réside dans sa capacité à déconstruire l'idée reçue selon laquelle l'art contemporain français se concentrerait uniquement à Paris. 100 % L’Expo est un véritable tour de France artistique qui investit la scène de La Villette. En parcourant les allées de la Grande Halle, on voyage virtuellement de la Bretagne à la Méditerranée, du Limousin à la Lorraine, réalisant que l'inspiration ne connaît pas de frontières administratives et que la talentueuse vitalité artistique irrigue tout le territoire.
Cette représentation plurielle est vitale pour éviter l'homogénéisation esthétique. Chaque école, chaque région apporte sa sensibilité, son histoire et ses préoccupations propres. Résultat : une exposition polymorphe qui refuse la monoculture visuelle. C'est cette diversité géographique qui donne à l'événement son rythme chaotique et passionnant, passant d'une démarche très conceptuelle issue d'une école urbaine à une approche plus artisanale ou sociale issue d'un territoire plus rural en quelques pas.
La domination des Beaux-Arts de Paris et ses 10 talents
Il est impossible d'ignorer le poids historique de l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris dans ce paysage, confirmé par le site de l'école. Elle pèse de tout son poids cette année encore avec dix artistes diplômés sélectionnés, formant une colonne vertébrale solide à l'exposition. Parmi eux, on retrouve des noms comme Joséphine Berthou, Mehdi Görbüz, Bahar Kocabey, ou encore César Kaci et Dahlia Koum Sam.
Ces dix artistes ne forment pas un bloc monolithique ; leurs travaux démontrent au contraire la vitalité et la diversité de l'enseignement parisien. Si la maîtrise technique est souvent au rendez-vous, les sujets abordés sont résolument contemporains. Ils représentent une certaine excellence académique qui sait se détourner des sentiers battus pour questionner les formes modernes, prouvant que l'enseignement prestigieux de la rue Bonaparte sait produire des artistes en phase avec leur temps.
Les nouvelles recrues : Limoges, Aix et Bourges font leur entrée
Le véritable souffle nouveau de cette édition vient des écoles qui participent pour la première fois au jeu. L'ouverture à des établissements comme l'École supérieure d'art d'Aix-en-Provence, l'EESI Angoulême-Poitiers, l'ENSAD Le Havre-Rouen ou encore l'École nationale supérieure d'art de Bourges apporte un sang frais indispensable, comme le souligne l'ENSA Limoges.
Ces nouvelles recrues bousculent les habitudes et apportent des regards extérieurs sur la société française actuelle. Prenons l'exemple de Limoges, célèbre pour ses travaux sur la matière et l'émail, qui apporte une dimension tactile et artisanale singulière, ou de Bourges, réputée pour son approche théorique et engagée, qui nourrit le discours critique de l'exposition. Leur présence enrichit la thématique globale en y injectant des problématiques spécifiques à leurs territoires.
Un panorama national : de la Bretagne à Toulon
Pour parachever ce tour de France artistique, d'autres régions sont également à l'honneur, confirmant l'ancrage territorial de l'événement. L'École européenne supérieure d'art de Bretagne, Montpellier Contemporain ou encore l'École supérieure d'art et design Toulon Provence Méditerranée sont dans la place. Cette dispersion géographique illustre parfaitement que 100 % L’Expo est un tremplin national.
Cette diversité permet au public de découvrir des esthétiques qui prennent racine dans des environnements très différents. L'art breton peut porter une trace du rapport à la côte ou à la lande, tandis que les artistes toulonnais ou marseillais peuvent intégrer dans leur travail la lumière méditerranéenne ou les questions liées au cosmopolitisme de leur région. C'est une leçon de géographie sensible qui nous est offerte : la création française est une mosaïque complexe et colorée.
Entre lit en cheveux et portraits queer : les œuvres qui défient les codes
Une fois le cadre posé et les artistes présentés, place à l'expérience visuelle et sensorielle brute. C'est ici que le visiteur comprend réellement pourquoi cette génération est si prometteuse. Les œuvres exposées ne cherchent pas à décorer ou à complaire ; elles interrogent, dérangent et parfois même fascinent par leur audace formelle. On est loin de l'art pour l'art ; ici, chaque proposition a un rapport intime avec le corps, l'identité et les normes sociales.
L'exposition est traversée par des thématiques fortes qui résonnent avec les préoccupations d'une jeunesse en quête de repères. Le corps est omniprésent, qu'il soit déconstruit, célébré ou sublimé. L'identité, sous toutes ses formes, devient un matériau de création à part entière. C'est une exposition qui pulse de vie, où chaque œuvre semble avoir un pouls vibrant, nous forçant à regarder notre propre réalité en face.
Priscilla Benyahia et son lit fait de cheveux humains
Impossible de ne pas s'arrêter devant l'œuvre provocante de Priscilla Benyahia, diplômée de la Villa Arson. Son installation, un lit constitué intégralement de cheveux humains, interroge l'intime avec une force brute. Ce n'est pas seulement une sculpture surprenante par sa matière ; c'est une réflexion poétique et un peu inquiétante sur le corps, sur ce qui nous tombe de la tête pour devenir une relique, un déchet, ou ici, un objet de repos.
Cette installation crée un malaise fascinant. Le cheveu, chargé de symbolisme, de mémoire et d'ADN, devient un lit de repos, un lieu de vulnérabilité. Cette œuvre fait écho à celle d'autres artistes de la sélection, comme Tatiana Da Silva Vaz, qui travaille également sur les notions de peau et d'enveloppe charnelle. On découvre un fil rouge thématique sur l'identité physique et ses limites, explorant la frontière ténue entre le soi et l'autre, entre l'intérieur et l'extérieur.
La représentation queer à travers l'œil de Baptiste Thiebaut Jacquel
Autre point fort de cette édition, la représentation queer et la question des genres occupent le devant de la scène grâce à des artistes comme Baptiste Thiebaut Jacquel, diplômé de l'École nationale supérieure d'art et de design de Nancy. Ses portraits queer ne sont pas de simples figurations ; ce sont des actes politiques et sociaux revendiqués. Pour une génération de 18-25 ans qui voit les normes de genre voler en éclats, ces œuvres fournissent des images auxquelles il est possible de s'identifier.
Baptiste Thiebaut Jacquel peint avec une sensibilité qui refuse les assignations. Ses personnages brouillent les pistes, occupent l'espace avec une douceur militante. Cette démarche s'inscrit parfaitement dans la ligne éditoriale soulignée par Slash-paris concernant les « enjeux sociétaux qui traversent les débuts de carrière ». L'art devient ici un outil de visibilité pour des communautés qui ont longtemps été marginalisées dans les institutions.
Scénographie écoresponsable : quand l'art se recycle
Au-delà des œuvres elles-mêmes, la manière dont elles sont présentées participe au discours global de l'exposition. Pour cette édition, la scénographie a été pensée avec une préoccupation écologique majeure. L'ensemble des structures d'accueil et de présentation est constitué d'éléments de récupération. Ce choix n'est pas anecdotique ; il inscrit l'événement dans une démarche écoresponsable cohérente avec les valeurs de cette nouvelle génération d'artistes.
Cette approche modifie notre rapport à l'exposition. L'œuvre d'art n'est pas seulement l'objet isolé sur son socle ; c'est aussi l'environnement qui l'accueille. Le visiteur est constamment rappelé à la réalité matérielle de l'événement : les palettes recyclées, les matériaux bruts, les circuits courts. Cela donne à 100 % L’Expo une allure un peu brute, à l'image d'un squat artistique haut de gamme. C'est une beauté organique qui refuse le clinquant pour se concentrer sur l'essentiel.
Quand l'expo s'anime : performances et week-ends festifs à la Villette
Il serait réducteur de voir 100 % L’Expo comme une simple collection d'objets statiques. L'exposition vit, respire et vibre au rythme de performances programmées tout au long de la quinzaine. C'est ce dynamisme qui en fait un véritable festival, où le spectacle vivant côtoie les arts plastiques pour créer une expérience totale. Le visiteur n'est plus un simple spectateur passif ; il devient un témoin privilégié de moments uniques, éphémères par définition.
Cette dimension performative est essentielle pour saisir l'énergie des artistes d'aujourd'hui. Ils ne se limitent pas à l'atelier ; ils investissent l'espace public, le corps et le temps réel. C'est une invitation à sortir de sa contemplation silencieuse pour vivre l'art en mouvement, avec toute l'imprévisibilité que cela comporte. C'est souvent lors de ces moments que le lien entre l'artiste et le public se cristallise de la plus belle manière.
« Lululululeesh » : la voix de la résistance les 9 et 10 avril
Le temps fort de cette programmation vivante se concentre en début de festival. Les 9 et 10 avril, la Grande Halle résonnera des voix de Marah Haj Hussein et Nur Garabli, deux artistes palestiniennes qui proposent une performance intitulée « Lululululeesh ». Ce n'est pas un simple spectacle de danse ou de chant, mais une expérience immersive qui mêle les arts de la scène, la musique et la parole poétique sur le thème de la résistance.
Le titre, énigmatique et musical, prépare le public à une plongée dans une culture qui lutte pour exister. En mélangeant le chant traditionnel, la danse contemporaine et des lectures textuelles puissantes, ces artistes transforment l'espace d'exposition en un lieu de mémoire et d'action. C'est un moment fort, politique et émouvant, qui rappelle que l'art peut aussi être une arme douce pour affirmer son identité face à l'adversité.
Le week-end du 18 avril : 15 artistes en mode live
Si le premier week-end est marqué par la focale palestinienne, la suite de la programmation offre une pluralité de voix avec un second temps fort autour du 18 avril. Une quinzaine d'artistes prennent le relais pour envahir l'espace du regard et du son. Parmi eux, on retrouve des noms comme M4R4 & Ora Yermia, Dahlia Koum Sam, Joshua Merchan Rodriguez ou encore Lê Hoàng Nguyên.
Ces performances collectives transforment l'exposition en une immense scène ouverte. L'ambiance y est festive mais toujours contrôlée, propice à la rencontre directe avec les créateurs. C'est l'occasion pour le public de voir les artistes à l'œuvre, de comprendre leur processus créatif en temps réel. Ces week-ends de performance brisent la hiérarchie habituelle entre l'œuvre finie et l'artiste. Ici, tout est processus, tout est mouvement.
Visite nocturne et entrée libre : le mode d'emploi pour profiter de l'événement
Maintenant que l'envie de découvrir cette pépite culturelle vous a gagné, place à la pratique. Pour profiter pleinement de 100 % L’Expo, un minimum d'organisation est nécessaire pour éviter la foule et optimiser son temps. Heureusement, les modalités de visite ont été pensées pour être les plus souples possibles. Que vous soyez un étudiant entre deux cours, un actif après le travail ou un flâneur du dimanche, il y a un créneau horaire fait pour vous.
L'accessibilité reste le maître-mot. Loin des files d'attente interminables de certaines grandes expositions payantes, 100 % L’Expo mise sur la fluidité. Grâce aux informations précises fournies par le site des Beaux-Arts de Paris, voici comment organiser votre sortie pour que l'expérience soit aussi agréable sur le plan logistique qu'elle l'est sur le plan artistique.
Nocturnes et horaires : s'organiser pour éviter la foule
L'exposition est ouverte du mercredi au dimanche, de 14 h à 19 h. Ces horaires classiques permettent de visiter en journée, mais pour une ambiance différente, il faut miser sur les nocturnes. Les mercredis 8 et 22 avril, ainsi que les jeudis 17 et 24 avril, l'événement prolonge ses portes jusqu'à 20 h. Ces créneaux nocturnes offrent une atmosphère particulière, où la lumière filtrant par les verrières de la Grande Halle prend des teintes dorées qui changent la perception des œuvres.
Ces horaires tardifs sont souvent idéaux pour les travailleurs souhaitant visiter l'expo après leur journée, ou pour ceux qui préfèrent une ambiance un peu plus feutrée et calme qu'en fin de semaine. De plus, l'atmosphère nocturne du parc de la Villette, avec son bassin et ses espaces ouverts, ajoute une dimension poétique à la sortie de l'exposition.
Visites commentées gratuites : apprendre l'art sans cours magistral
L'art contemporain fait parfois peur par son apparente complexité. Pour lever les doutes et enrichir sa visite, 100 % L’Expo propose un dispositif de médiation particulièrement généreux. Les samedis et dimanches, des visites commentées sont organisées toutes les trente minutes, entre 14 h 15 et 18 h 15. Le plus beau ? Elles sont gratuites et ne nécessitent aucune réservation.
C'est une occasion en or de décrypter les œuvres les plus obscures ou d'en apprendre plus sur les intentions des artistes, sans avoir l'impression d'être assis dans un amphithéâtre universitaire. Les médiateurs sont là pour échanger, pour répondre aux questions et pour donner des clés de lecture simples et accessibles. Pour le visiteur curieux qui veut aller au-delà de la première impression visuelle, ces petites balades commentées sont un atout majeur.
Accès et plan d'adresse : 211 Avenue Jean Jaurès, 75019 Paris
Pour rejoindre le QG de la jeune création, rien de plus simple. L'adresse est à mémoriser : 211 Avenue Jean Jaurès, 75019 Paris. En termes de transports, la ligne 7 du métro est votre meilleure alliée, avec la station Porte de la Villette située juste à côté. À la sortie du métro, suivez le flux des visiteurs ou dirigez-vous vers la Grande Halle, impossible à manquer avec son architecture de fer et de verre typique du XIXe siècle.
Rappelons-le une dernière fois : l'accès est totalement libre et gratuit. Pas de billetterie, pas de code promo à chercher, pas de ticket à imprimer. On entre, on regarde, on ressort. C'est cette simplicité radicale qui fait de 100 % L’Expo le plan culturel parfait pour les petits budgets. Que vous habitiez en banlieue ou à l'autre bout de Paris, le coût du trajet sera la seule dépense de votre après-midi artistique.
Conclusion : La Villette, miroir d'une génération en mouvement
En quelques années, 100 % L’Expo s'est imposé comme un rendez-vous incontournable du calendrier culturel parisien. Plus qu'une simple exposition, c'est un véritable mouvement social et artistique qui nous est donné à voir. La Villette agit ici comme un miroir tendu à une génération en mouvement, pleine de doutes mais surtout de créativité foisonnante. En parcourant les 3 500 mètres carrés de la Grande Halle, on ne voit pas seulement des œuvres, on voit une époque se raconter.
Cette huitième édition, par sa diversité géographique et la maturité de ses propos, confirme que l'événement a grandi. Il n'est plus seulement une vitrine scolaire, mais un tremplin sérieux pour des artistes qui ont des choses à dire. La pertinence des thèmes abordés, l'engagement des formes et l'audace des propositions font de cette exposition une pépite qu'il ne faut surtout pas manquer. Elle nous rappelle que l'art, loin d'être un divertissement futile, est un outil indispensable pour comprendre le monde dans lequel nous vivons.
L'art comme outil pour comprendre le monde d'aujourd'hui
Chaque œuvre exposée, chaque performance présentée, est une clé de lecture pour notre époque. Que l'on parle de genre, d'écologie, de corps ou de résistance politique, les artistes de 2026 ne tournent pas les regards vers l'abstraction ; ils les plongent au cœur de la réalité. L'exposition n'est pas juste esthétique, elle est un moyen de décrypter les enjeux qui nous entourent.
En dialoguant avec ces créations, le visiteur est contraint de se poser des questions, de remettre en cause ses propres certitudes. C'est là tout le rôle social de l'artiste : offrir un espace de réflexion collective. Dans un monde saturé d'images et d'informations rapides, prendre le temps de regarder une installation ou d'écouter une performance est un acte résistant. C'est une manière de réapprendre à voir, à ressentir et à penser.
Ne manquez pas le train de la création émergente
Il ne reste que quelques jours avant la clôture de cette édition 2026, fixée au 26 avril. C'est maintenant qu'il faut se précipiter à La Villette. Pourquoi ? Parce que parmi cette trentaine d'artistes exposés se cachent sans doute les stars de demain. Repérer les talents en devenir, c'est l'apanage des amateurs avertis, et 100 % L’Expo offre cette opportunité unique sur un plateau gratuit.
Ne pas y aller, c'est rater l'occasion de dire « j'étais là quand » dans quelques années, quand ces noms illustreront les couvertures des magazines ou les grandes rétrospectives des institutions. Plus qu'une sortie, c'est un investissement culturel sans risque. Alors, enfilez vos chaussures de marche, prenez le métro, et allez voir ce que la jeune création française a dans le ventre. C'est le plan culturel le plus intelligent et le plus inspirant de ce printemps 2026.
